Sir Simon Rattle con la Orquesta del Siglo de las Luces

Esta tarde, a las 19.30h, en el Auditorio Nacional y dentro del Ciclo Caja Madrid, nos visitan dos portentos: Sir Simon Rattle (titular del buque insignia alemán, la Filarmónica de Berlín) y la historicista Orquesta del Siglo de las Luces. Harán la Obertura del Rey Lear, de Berlioz y de Schumann las Sinfonías 2 y 4... No se olviden

Kara Karaiev: el alumno aventajado de Shostakóvich

A orillas del mar Caspio, en la capital azerbaiyana (Bakú) nació Kara Karaiev. Hijo de un profesor de medicina y una talentosa pianista amante de la poesía, estudió en su ciudad natal y se marchó al Conservatorio de Moscú. "La música tradicional es mi lenguaje nativo", decía. Rico en sonido orquestal, apoyado en la raigambre popular y tendente a emular a su admirado Prokófiev, así era Karaiev. Su lectura favorita, "Don Quijote", de Miguel de Cervantes, que dejó musicada cual melodía descriptiva, sin caer en españolismos excesivos ni tópicos ridículos. En el nuevo trabajo de Iablonski y la Filarmónica Rusa (NAXOS), queda constancia de la calidad compositiva de este eslabón perdido de la etapa soviética. Haría de su "Tercera Sinfonía" un emblema del serialismo en cuatro movimientos, primordialmente allegros. Con el Romeo y Julieta de la era de la hoz y el martillo, "Leila y Mejnun", finaliza un trabajo redondo.

La revolución rusa junto a la polifacética Ainhoa Arteta

Vasili Petrenko, heredero de la estricta carrera directorial rusa de los Jansons y Temirkanov, se presenta en Madrid para dirigir a nuestra Orquesta Nacional y a Ainhoa Arteta. El titular de la Royal Liverpool fue nombrado "la revolución rusa" por The Observer. Su carrera discográfica promete dar sorpresas, ahora de la mano del sello todoterreno NAXOS. Primero fue Liszt y los dos conciertos para piano con Nebolsin; ahora se acerca a los suyos, con Chaikovski, la Sinfonía Manfred y Voievoda. ¿Estamos ante un treinteañero Gergiev?

Para su visita madrileña ha preparado "El Aprendiz de Brujo", de Dukas, las dos suites del ballet de Prokófiev "Romeo y Julieta" y algunas canciones de Joaquín Rodrigo.

Ainhoa Arteta demuestra que puede realizar con soltura interpretaciones de nuestro repertorio zarzuelístico, hacer frente a la ópera francesa con garbo y lanzarse al pop-rock de Clapton u otros, dotándoles de fuerza sopranil y melodía, como ha demostrado en su último CD. Arteta hará que el público conozca parte de los libros para voz femenina y orquesta más interesantes del maestro levantino. "Cantos de amor y de guerra" y los célebres "Cuatro madrigales amatorios" prometen ser traducidos con dulzura por la vasca.

No lo olviden, este fin de semana acudan al Auditorio (12,13 y 14 de diciembre)

Una Flauta Mágica con esencias de Colonia (22-11-08)

En la Offenbachplatz se erige la Ópera de Colonia, en la plaza con el apellido del compositor más famoso de la ciudad junto a Max Bruch. A un lado del coliseo podemos observar la sede de la marca de agua que toma el nombre de la ciudad, me refiero a 4711, cuya fórmula magistral aún no ha sido desvelada a lo largo de los siglos. La música, concretamente la ópera, y el aroma se enlazan a orillas del Rin.
Lleno casi absoluto ante una Flauta Mágica de contrastes, aportaciones interesantes y recurrencias varias. El negro y el blanco sirven de contexto para elaborar un cinematográfico vestuario, definiendo las fuerzas del bien y del mal. Los juegos de iluminación producían del escaso decorado un elemento coreográfico, haciendo de cada parte un cuadro único. Por momentos recordaba a una película de la UFA, como si de una apología de “Nosferatu” se tratara. No faltaron momentos de fuegos y elementos artificiosos, que ayudabaron al desarrollo de la obra.
El director Enrico Delamboye condujo una Orquesta Gürzenich y un Coro de la Ópera entregados que siguieron con soltura el fluir de la partitura.
Destacables el Tamino de Hauke Möller, el simpático Papageno de Gerardo Garciacano y la graciosa Papagena de Csilla Csövári. El aria de la Dama de la Noche quedó algo chirriante, aunque Katharina Leyhe dotará de toda su bravura la intervención.
Una interesante adaptación que concluyó con el vibrante y animoso coro, desde el lateral izquierdo de la pasarela que conduce al escenario. Agridulce escenografía que ensambló a la perfección el mundo de las luces y las sombras

Mis recomendaciones discográficas navideñas

Ya respiramos Navidad, así que nada mejor que hacerlo con la música del gran barroquista alemán, Johann Sebastian Bach. Del "Oratorio de Navidad" podrán encontrar un sin fin de opciones, pero estén muy atentos. Aunque les propongo dos, regidas por dos expertos de primerísima fila como son Jacobs y Harnoncourt, Suzuki y el Colegium Bach de Japón hacen maravillas (BIS) y el Harnoncourt de TELDEC sigue estando entre las notables opciones. La apuesta de HARMONIA MUNDI, constituye un formato de exquisita elaboración. En lo vocal, destacan Dorothea Röschmann y Andreas Scholl, el coro es de diez (RIAS Kammerchor) y la orquesta (Akademie für Alte Musik) y el director (René Jacobs), merecerían capítulos enteros. Por su parte, Harnoncourt, cuenta con su agrupación vienesa (Concentus Musicus Wien), en la que interviene su esposa, Alice. Aquí, en su andadura en el sello DHM, con una calidad de SACD, revisa su propia visión del cantor de Leipzig, con unas voces interesantes en las que destacan Bernarda Fink y la versátil Christine Schäfer.

Gérard Mortier en el Teatro Real de Madrid

El próximo día 4 de diciembre se presentará ante los medios de prensa el nuevo Director Artístico del Teatro Real madrileño, el belga Gérard Mortier. A los aficionados les sonará este nombre, ya que ocupó desde 1981 hasta 1992 el cargo de Director del Teatro de La Monnaie de Bruselas y dotó de una visión rupturista al Festival de Salzburgo (1992-2001). Siempre se ha sentido atraído por las nuevas corrientes compositivas y por arriesgadas puestas de escena. En la industrializada región del Ruhr, creó un festival innovador y trienal, sucedió a Hugues Gall en la Ópera de París y, recientemente, se le vinculaba al continente americano y a la ciudad de Nueva York.

Nuevos tiempos para el Real, con un camino prometedor ya iniciado por Antonio Moral. Esperemos que el sello Mortier se haga notar y europeice un sendero aún por trabajar, con apuestas de interés e innovaciones acordes con la divulgación y no con sólo con la intelectualización del arte. Suponemos que entre los nuevos inquilinos del templo operístico se encontrará Sylvain Cambreling. Bienvenido a Madrid

Jóvenes aunque sobradamente cualificados

Ayer el Auditorio Nacional acogía a la Orquesta Sinfónica Juvenil del Homenaje al Sistema de Orquestas de Venezuela. Juventudes Musicales apostó por este conjunto, nutrido por jóvenes hispano parlantes (en su mayoría venezolanos), españoles y norteamericanos. La Joven Orquesta Nacional constituía la práctica totalidad del conjunto, engrosado por miembros de la New World Symphony y dos nombres que significan en sí mismos el nivel magistral de las enseñanzas iniciadas por el Maestro José Antonio Abreu: Fran di Polo (concertino y miembro fundador de la Orquesta Simón Bolívar) y Alejandro Alberto Carreño (concertino de la Orquesta Simón Bolívar y miembro de la Orquesta del Festival de Lucerna). Ellos son el futuro de la música, de la pasión por este arte. Es un deber de todos hacer llegar la música a cualquier rincón del planeta, eliminando clichés o falsos y arcaicos prejuicios.

Empezó su director, el talentoso Pablo Mielgo, con Brahms y el apasionado “Primer Concierto”. El volumen orquestal quedaba por momentos excesivamente disminuido, dando pie a una mejor escucha del representante pianístico de nuestro país: Javier Perianes. Técnico, melancólico y virtuoso serían tres de los adjetivos que resumirían su lectura. Buen sonido grupal, con algún fallo de fraseo. Sonido beethoveniano, uso incisivo el metal, ensamblada y vibrante la cuerda, leves fallos de la madera y reverberante percusión.

En Chaikovski y la mediana de su último trío sinfónico, la “Quinta”, el fraseo se relentizó para enfatizar ese lenguaje exultantemente romántico a la vez que patriótico y marcadamente ruso. La cuerda fue adoptando un ritmo cada vez más veloz, con un espléndido -repito- metal. Llegaron al forte hacia el final de la partitura, en el penúltimo movimiento. El apasionamiento juvenil se percibe en su manera de posicionarse, y eso repercute en la escucha. En todo momento el gestual Mielgo daba muestras de ello. La sala estaba inundada en música. Son momentos como este los que emocionan. Aquí se demuestra que el mayor ha de pararse a escuchar al joven, porque así como nuestra juventud parece sumida en el caos absoluto también rebosa de talentosas y prometedoras figuras. Quédense con estos apellidos: Perianes y Mielgo.

Bonito concierto-homenaje que llegará hasta el Carnegie Hall neoyorquino.

Mi recomendación discográfica del día

HAYDN / CONCIERTOS PARA PIANO Y ORQUESTA Nº 3, 4, 9Y 11 / SEBASTIAN KNAUER (PIANO) /ORQUESTA DE CÁMARA DE COLONIA /HELMUT MÜLLER-BRÜHL / NAXOS


Sencillamente espectacular y a un precio aún mejor. Los Conciertos haydnianos nº 3, 4, 9 y 11 quedan ejemplarmente servidos por la Orquesta de Cámara de Colonia, con Müller-Brühl y un deslumbrante solista: Sebastian Knauer. Intensas lecturas con un espectacular "Rondó", en la cuarta de las obras para piano y agrupación orquestal. El sonido merece un lugar a destacar. Ya saben, caviar a precio de palomitas.

Dúo americano de titanes

La Orquesta Nacional de España se viste con barras y estrellas para recibir al virtuoso del arco Joshua Bell y al maestro de la batuta Leonard Slatkin. Walton hará acto de presencia con la "Batalla" de "Henry V" y Corigliano, por su parte, mostrará su cinematográfica habilidad compositiva, con su "Concierto para violín y orquesta" ("El violín rojo").
Estos días 21, 22 y 23 de noviembre sonará, para redondear tan novedoso y bien conducido repertorio, la "Séptima" de Beethoven.
Recomiendo que escuchen el trabajo discográfico Bell-Norrington (SONY-BMG), así como la Edición Leroy Anderson que Slatkin viene realizando, en NAXOS

Sir Roger Norrington, sublime y fiel al original

Cuando un experto afronta la tarea de dirigir una orquesta de radiodifusión alemana, como la de Stuttgart, tras las eras Celibidache, Marriner o Gelmetti, tiene que poder aportar algo de aire fresco. Un maestro como sir Roger Norrington, que proviene de la música antigua, de haber creado grupos sobresalientes como los London Classical Players, los London Baroque Players o el Coro Schütz, parte desde el punto de vista del análisis metódico y sistemático de la música. Norrington sabe que el arte orquesta no lo constituyen notas aisladas en un pentagrama, sino que la historia de la pieza y la posible interpretación pueden tener mucho que decirnos. Los aspectos de interpretación histórica, el empleo de últimas ediciones de las obras o el uso de la plantilla orquestal que cada compositor desearía, son algunas de las claves que Norrington considera esenciales. La posición alemana de la agrupación (primeros y segundos violines enfrente unos de otros, con trompas y trompetas, y contrabajos en un segundo plano), la articulación de los arcos de cada período y el uso del "tempo" adecuado nos aproximan a esa época. El sonido resulta dinamizado, fresco, rejuvenecido con el uso mínimo del vibrato, pese a que tan polémica decisión le haya llevado a acaloradas divisiones de opinión. Norrington lo deja claro: "No creo en el vibrato continuo".
Resulta un apropiadísimo traductor de Franz Joseph Haydn, reconocida en su magistral contribución a la Haendel and Haydn Society (de la que Hogwood también es miembro). La Sinfonía nº103 "Redoble de timbal" nos paralizó en las butacas del Auditorio. Cada instrumento de la Orquesta de la Radio de Stuttgart sonaba a otras épocas, pero con un sentido del ritmo y del color inusuales. La sala vibraba ante una pieza que se podría enlazar con la "Militar", que destellaba alegría y optimismo por doquier y atrapaba al oyente. La cuerda, acrobática por momentos, definía un sonido camerístico de corte galante, para descubrir el vigoroso sonido de la percusión (como no cabría de otra manera con este sobrenombre) y el exacto e incisivo sonido aerófono. Sin respiración nos dejó el director británico. Las muestras de complicidad eran evidentes entre el maestro y los profesores de la orquesta, la comunicación fluía no sólo en lo musical. El público agradecía la simpatía del inglés. cuando se giraba hacia los asistentes, sonriente, alabando la acústica de la sala.
Si Haydn, el padre de la sinfonía y de la música de cámara, nos había dejado boquiabiertos, con Mahler y su "Titán" costaría enumerar la cantidad de matices a destacar. Cada instrumento sonaba como solista, virtuoso en cada nota, en cada frase musical. Como decía un amigo director de orquesta: "Es la primera vez que siento vibrar el Auditorio Nacional de Música". Emotivo fragmento el que entona el contrabajo en la marcha fúnebre infantil, excelente aportación la de "Blumine" (desechada por Mahler, al considerarla carente de calidad y de contexto), brillante unión del penúltimo y último movimientos en un desenfreno de medios instrumentales. Cada pequeña partícula sonora era perceptible, perfecta sincronía, los elementos de la naturaleza hechos música, potencial sonoro y un sólo pero: que Mahler no estuviera allí para escucharlo. Bravo, bravo y, mil veces, bravo.


Si les interesa esta labor de investigación sonora del maestro Norrington, les aconsejo que adquieran algunos de sus trabajos en el sello VIRGIN y, más recientemente, en HÄNSSLER.

Purcell, Telemann y Haendel, con La Risonanza

Dentro del Liceo de Cámara, de la Fundación Caja Madrid, acudirán a la Sala de Cámara del Auditorio Nacional madrileño el conjunto historicista La Risonanza, con la soprano Roberta Invernizzi. Gracias al sello GLOSSA, hemos redescubierto el repertorio sacro haendeliano con este grupo italiano, conducido desde el clave por Fabio Bonizzoni. Las cantatas del alemán nacionalizado británico recuperan su estado de gracia.


Sin desmerecer, ni mucho menos, la música camerística de Purcell y de Telemann , creo que sólo por escuchar a Haendel ya les merecerá la pena asistir, mañana 13 de noviembre

Kissin: veloz e intenso

"¿Cuándo fue la última vez que escuchaste a Kissin?", me pregunta un conocido. "En los Proms londinenses de 2005, con un apoteósico Concierto nº1 de Shostakóvich, la Sinfónica de la BBC y Andrew Davis", le contesto. "Yo recuerdo hace mucho tiempo a un joven Kissin interpretando Beethoven junto a sir George Solti", me comenta. Lo cierto es que Evgueni Kissin no visitaba Madrid desde hace tres años y su público se lo hizo notar hasta la última nota.

La poderosa e incisiva mano izquierda contrastaba con su danzarina mano derecha, dando muestras de su temperamento en su visión de Prokófiev. Las familias de los Capulescos y los Montescos bailaron al son de las teclas, en este ballet formidable llamado, alegóricamente, "Romeo y Julieta".

Una de las piezas más logradas de Serguéi constituye la "Sonata nº8", de apariencia siniestra entre sus contrastadas ornamenturas. Se aprecian las diabluras de la partitura en las manos de su interlocutor. Los torbellinos sonoros se resuelven sin aparentes complicaciones por el genial Kissin.

Chopin da paso a la segunda parte del programa. La delicadeza y el romanticismo están a flor de piel. Un apasionado y frenético pianista abordó "Tres Mazurcas" y "Ocho Estudios" con algún que otro atropello. A pesar de esto, la sensualidad, belleza y suntuosidad de estas músicas permanecieron perfectamente acentuadas, a una magistral velocidad.

Las escalas ascendentes y descendentes no encontraban pausa, fluyendo desenfrenadamente.

El público, agradecido, premió con múltiples y repetidos aplausos un trabajo bien hecho.

Estén atentos a lo que se avecina en el Auditorio Nacional...

Mañana, día 11 de noviembre, el pianista Evgueni Kissin visitará el madrileño Auditorio Nacional de Música de la mano de Ibermúsica. Viene con un repertorio que le es muy suyo, como resultan las obras de Prokófiev y Chopin. El eternamente joven de pelo "afro" sigue constituyendo ese bastión de la escuela pianística rusa, heredero de la virtuosística tradición del teclado. Las tres "Mazurkas" y los ocho "Estudios", de Chopin, compartirán cartel con la versión pianística del ballet "Romeo y Julieta" y la "Sonata nº8", del señor Serguéi. Si desean adquirir alguna de las maravillas de Kissin interpretando al compositor polaco, el sello RCA editó un CD fabuloso desde el suizo Festival de Verbier. Por su parte, EMI registró junto al octogenario sir Colin Davis y la Sinfónica londinense unas espectaculares lecturas mozartianas (el número 24, para ser exacto) y del Concierto de Schumann.

El jueves 13, dentro de los ciclos de Juventudes Musicales de Madrid, nada menos que Marta Argerich y Mischa Maisky darán rienda suelta a esa complicidad traducida en música. El lenguaje sonoro que se establecerá entre ambos irá desde Beethoven y Grieg hasta Shostakóvich y Messiaen. Larga e intensa velada que incluirá esa maravilla de variaciones beethovenianas sobre temas mozartianos de "La flauta mágica". La melancolía llegará con Grieg y su opus 36, para finalizar con el desgarrador y realista lenguaje de Shostakóvich y Messiaen, y sus visiones del pasado siglo XX. Dos artistas irreemplazables unidos en Madrid.


La guinda al pastel la pondrán el sábado 15 sir Roger Norrington y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Stuttgart, que se acercan a Madrid con el Ciclo de la Universidad Autónoma. Aviso para mahlerianos, ya que abordará la "Titán". Esperemos resplandecer de gozo en los asientos del Auditorio Nacional, tras la versión de Luisi y la Staatskapelle de Dresde. Ofrecerá Haydn ("El redoble del timbal"), que le es más próximo, aunque esperemos notar un enfoque historicista también en Mahler. El controvertido director británico fundador de los London Classical Players puede tener mucho que decir no sólo con el "padre de la sinfonía". Ya saben que ocupa un cargo de honor en la Haendel and Haydn Society, al igual que mi admirado Hogwood. Seguramente incluirá "Blumine", en la Primera de Mahler. La polémica estará servida



Preparen sus oídos y disfruten...

Una quincena musical a orillas del Cantábrico

La última y prometedora semana de la 69 Quincena Musical Donostiarra acogió interesantes obras servidas por agrupaciones en estado de gloria, como la SWR de Baden- Baden y Freiburg (con Cambreling) y unos programas Messiaen que rinden homenaje a este gigante de la composición más reciente o el encumbrado sucesor de Plasson en Toulouse, Tugan Sojiev.


La Orquesta Sinfónica de Euskadi, que abrió la segunda parte de este maravilloso festival en el “cubo” de Moneo (el Kursaal, claro está), parece haber encontrado en Andréi Boreiko al sucesor natural de batutas como las de Cristian Mandeal y Gilbert Varga. En la línea de los grandes maestros de la batuta rusos, Boreiko destacó por sus vibrantes lecturas de Rajmáninov (Concierto nº2 para piano y orquesta) y por unos estelares “Planetas”, de Holst. Boreiko dotó de precisión a la cuerda, hizo del metal un bloque sonoro y resaltó el contundente papel vocal de la Coral Andra Mari. El soberbio nivel técnico alcanzado por Perianes en Rajmáninov carecía en algunas frases del sentimiento necesario para afrontarlo que, resultando elegante y virtuoso, cayó en lo estrictamente técnico sonando a veces metálico. El Auditorio Kursaal, repito, vibró con “Los Planetas”. La Sinfónica de Euskadi va teniendo un sonido característico y sólido digno de las mejores formaciones.


En Chaikovski la ópera “Iolanta” (1892), según el drama “La hija de René” de Henrik Hertz, tiene un carácter autobiográfico. Resumiendo, podríamos decir que los mensajes finales serían que el amor da fuerza para ver y que el conocimiento de la verdad lleva a la curación. Esta última ópera tiende a la parábola y se ubica en la Provenza del siglo XV, tendiendo a un poema musical dramático. El estilo de esta obra en un acto se aproxima al de las italianas “Cavalleria rusticana” o “Pagliacci”.
Un Coro Easo en plena forma se vio acompasado por las primorosas voces del Teatro Mariinski de San Petersburgo. Los roles del rey y del médico árabe destacaron junto a las de la hija y las amigas de esta. Sojiev hizo que la tensión argumental no se perdiese en ningún momento. La Orquesta Nacional del Capitolio de Toulouse respondió precisa y delicada. Emotiva composición, con alguna que otra lágrima entre el público asistente. La semi-escenificación en esta versión en concierto fue de lo más apropiada.

Con la obertura a la ópera “Ruslán y Ludmíla”, de Mijaíl Ivánovich Glinka, la cuerda de la Orquesta del Capitolio de Toulouse demostró tener la suficiente coordinación y rapidez para no perderse ante el ritmo de Sojiev. Vertiginoso por momentos, contó para la evocadora “Rapsodia sobre un tema de Paganini” con el, a veces, rudo pianista Denis Matsuev. Matsuev recreó la partitura desde un punto de vista brillante pero obviando cualquier delicadeza. Para él el sonido fluye entre las teclas y sus manos, como el agua que fluye sin control. Las ocurrentes propinas incluyeron “La cajita de música” de Liádov, servida desde el piano. En las “Danzas”, Rajmáninov encontró en este maestro un notable interlocutor. Sojiev hará de esta orquesta una de las punteras. ¡Bravo!


Cambiando de escenario, el esplendoroso y cuidado Teatro Victoria Eugenia presentó el singular trabajo conjunto del equilibrado Coro de la Radio de Berlín con los experimentados solistas del Ballet de Kiel. Este particular concepto de espectáculo músico-teatral y coreográfico, en el que “gracias a la labor de los cantantes, los danzantes y la flauta se asumen bien las diferentes etapas de la alternancia intelectual y espiritual de la obra”, comenta su autor R. Schedrin. “El ángel lacrado” consiste en un grupo vocal que declama textos de contenido religioso, apoyados por un instrumento y las consiguientes coreografías. El fuerte contenido teatral de la obra queda definido por los bailarines, que realizan expresivas apariciones de marcado dramatismo. La composición resulta reiterativa en algunos pasajes, pero queda resuelta por la magnífica profesionalidad del coro, que permanece en la penumbra casi ausente de luz. Perfecto ensamblado de lo vocal con la danza.


El armonioso perfil al final de la Quincena Musical Donostiarra lo puso la orquesta que hiciera aún más grande el redescubridor de la música contemporánea Michael Gielen: me refiero a la SWR Sinfonieorchester de Baden-Baden y Freiburg. Para rendir tributo en un homenaje a Messiaen se planificaron los “Oiseaux exotiques“, “Couleurs de la cité céleste” y “L’ Ascension”.
Con dos inusuales composiciones mozartianas se inició el primero de los conciertos de la SWR y, en concreto, con sus “Adagio y fuga, KV546” y su “Concierto para piano y orquesta nº17, KV453”. Obras de menor calado y profundidad pero no menos brillantes. Recuerdo que un amigo y colega me comentaba que “Mozart era una obra maestra en sí mismo”. Cuanta razón tenía. Roger Muraro posee las cualidades óptimas para ser el pianista de Messiaen, aunque en Mozart estuvo correcto. La orquesta se “comía” la participación pianística. Los de Baden-Baden y Freiburg eclipsaron algunas intervenciones del Muraro mozartiano pero intensificaron las virtudes de Messiaen.
La fecha final a tanto y tan bueno la puso un Wagner menos triunfal pero de carácter romántico en el “Preludio del Acto Tercero y el Embrujo de Viernes Santo“, de “Parsifal”. Para seguirle, dos maravillas que irían en aumento una tras otra, los “Coulers” de Messiaen y el denso lenguaje de Bruckner y su “Séptima Sinfonía”.
La complejidad del lenguaje en Messiaen atrae cada vez a numerosos adeptos, pero Muraro resalta con naturalidad cada minúsculo detalle, que parece pincelado.
La magnitud de la música de Bruckner sirvió de colofón a este ciclo veraniego pasado por agua. Una “Séptima” digna de todos los elogios, con un bloque sonoro perfectamente ensamblado, desarrollo de temas magistralmente traducidos por Cambreling, sumados al apoteósico sonido de la orquesta alemana. La noción del tiempo se perdió en la sala.

Los elogios del público se hicieron notar. La música se vive en el País Vasco, principalmente en el festival que se ve bañado por las aguas del Cantábrico.

Homenaje al maestro José Antonio Abreu (Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2008)

"Rafael Marín y Jaime Arroyo Moya (uno de nuestros más afamados especialistas en música clásica), presentarán esta tarde “Tocar y luchar”, documental que ahonda en las entrañas del Sistema de Orquesta Juveniles e Infantiles de Venezuela, un sueño musical creado por José Antonio Abreu que agrupa a más de doscientos cuarenta mil niños y jóvenes en Venezuela y otros miles en América Latina. De este maravilloso proyecto han surgido gran número de aclamados músicos, como el director Gustavo Dudamel o el contrabajista Edicson Ruiz. La solidaridad y dedicación del maestro Abreu le han valido el Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2008, nuestro Fórum quiere sumarse hoy al reconocimiento de su figura." (Fnac Plaza Norte, 4-octubre-2008)

Maestro Abreu y Dudamel: un lenguaje universal llamado música

Sobre Abreu y su Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela llevaba años oyendo hablar. La figura de José Antonio Abreu despertó enseguida en mí la inquietud por quien ha dado todo por y para el arte e intenta hacer que lo suyo sea un proyecto común para todos. La solidaridad de un hombre como Abreu, que ha llevado a Venezuela a crear ejemplos tan sobresalientes como Gustavo Dudamel, tiene ahora una merecidísima recompensa a añadir: el Premio Príncipe de Asturias de las Artes 2008. Escribo estas líneas después de felicitar a la gente que hizo posible que esta magna idea se materializara.
La figura del maestro Abreu está presente en todo momento, siempre que su apretada agenda se lo permite. Su última distinción especial provenía de la Royal Philharmonic Society londinense. Una especie de aura destella de él, siempre agradecido tras recibir innumerables elogios. Cita a Heidegger, habla de los principios del hombre, aboga por la unión y la necesidad de lo bello, lo profundo del ser y la inmensidad del corazón. En cifras, el “Sistema” ha creado 220 orquestas (150 juveniles y 70 infantiles) y mediante sus 190 escuelas atiende a más de trescientos mil niños.
Gustavo Dudamel, a quien conocí durante su gira española, destacó en el podio y nos hizo sentir la fuerza y el color de los instrumentistas de la “Simón Bolívar”. En un desenfreno de virtuosismo, Dudamel y los suyos atraparon al público de Valladolid y de Madrid entre las notas musicales de Chaikovski y Stravinski. La sencillez y la humildad de estos muchachos se plasman en la música con una frescura innata.
Gustavo, que constituye el ritmo en sí mismo, volvió a la capital en esta ocasión acompañado por Gidon Kremer y la Orquesta Nacional de España. Presentó, además, a los medios su último trabajo en D.G., “Fiesta” (un viaje musical por las regiones hispanoamericanas). Tenemos el sonido de conocidos como Ginastera y su ballet “Estancia” o el evocador “Mambo” de “West Side Story”, compuesto por Leonard Bernstein. Además, redescubrimos los sorprendentes “Danzón nº2”, de Márquez, un extracto de la “Suite para cuerdas nº1”, de Romero y “Mediodía en el Llano”, de Estévez. En la rueda de prensa, aflora su espontaneidad y, ante la pregunta de cómo motivaría a los jóvenes a escuchar música clásica, responde: “Yo escucho música pop (me gustan Pink Floyd y Queen), estuve en el concierto de Marc Anthony, bailo salsa y me emociono con Beethoven”. Añade que “no hay que ver la música clásica como aburrida” y que “Mozart compondría música pop si viviera en nuestros días”
De su vitalidad en el podio da rienda suelta, comentándonos que “la música no debe ser una rutina para el músico, sino su vida”. La juventud es el reflejo de la interpretación en Venezuela y “en media hora están agotadas todas las localidades porque los jóvenes tocan para jóvenes”. Su idea es no irse de su país más de cuatro o cinco meses, aunque sus compromisos le mantengan al frente de la Sinfónica de Gotemburgo, la Filarmónica de Los Ángeles (Titular a partir de la temporada 2009-2010) o como invitado alrededor del mundo.
Para su nueva visita madrileña, ideada hace dos años, “Gidon Kremer propuso el Concierto para violín y orquesta, de Beethoven”. En esta ocasión se planificó con el añadido virtuoso y especial sonoridad de Alfred Schnittke y la “Quinta Sinfonía“, de Prokófiev. Es un maestro de “quintas” (sonríe), aunque me asegura tener programadas “cuartas” (Chaikovski, Brahms, Mendelssohn...).
¿Cómo resultaron el ensayo general del viernes y el matutino concierto del domingo? Sinceramente, impactantes. Dudamel consiguió aquello que comentó ante los medios, que consiste en “sacarle jugo al espíritu de las orquestas”.
Kremer produce, a veces, un sonido áspero pero intenso ayudado por un excelente instrumento. Las cadencias de Schnittke recuerdan a un Shostakóvich en estado puro, con intensas y afiladas notas que se entrelazan con las románticas impresiones beethovenianas. No se ha hecho justicia a Schnittke, con un lenguaje complejo que da pie a bandas sonoras que alternan la delicada melodía con sonoridades experimentales.
El ritmo define a Dudamel y la música fluye con él mediante un imponente control de la batuta y su incisivo manejo del brazo izquierdo. Logra un gran efecto sobre el conjunto, acentuando aquí y allá, y nutriendo la maquinaria orquestal. La pasión que desprende su pequeña figura y su endiablados rizos contagian no sólo a los músicos, sino al público.
Finalizó un concierto realmente memorable, con un maestro de 27 años lleno de vida y posibilidades. A la salida, uno de los músicos solistas resumió en una frase el evento: “Nos ha enamorado a todos”.
Suerte en Los Ángeles.

Abbado, un humanista en el siglo XXI

En “La casa dei suoni” (traducido en España como “Yo seré director de orquesta”), Claudio Abbado inicia este precioso cuento musical, diciendo: “Tuve mucha suerte ya que nací en medio de la música”. La rectitud de su padre (violinista) y la dulzura de su madre (pianista) marcaron su niñez. “Ella sabía hacer que todo fuera fascinante como en un cuento de hadas”, recordaba.
Abbado no es sólo sensible a lo musical, que lo es como pocos, sino a lo humano y a la belleza de la vida. Amante de la vela y la botánica, ha vuelto a nacer tras un cáncer de estómago que le apartó de la titularidad de ese titán llamado Orquesta Filarmónica de Berlín (1989-2002).
Claudio pertenece a un tipo de personas que hacen de lo pequeño e insignificante un gran proyecto. Es un creador musical de primera magnitud que se ha rodeado de gigantes del alma y del corazón, como José Antonio Abreu. Abreu ha creado un sistema único en el mundo que une la música a los niños, independientemente de su condición económica y social. Abbado se vinculó activamente al proyecto de Abreu, que ha logrado que trescientos mil muchachos venezolanos hayan sentido la música como algo propio, que no divide, que les une y les proyecta en un futuro prometedor. Gustavo Dudamel (sucesor de Neeme Järvi en Gotemburgo y de Essa-Pekka Salonen en Los Ángeles), gran amigo de Abbado, se perfila como el director del siglo XXI, heredero del “Sistema” de Abreu. Los años 70, no tan atrás en el tiempo, marcaron la Italia combativa y luchadora de Claudio y los suyos (Maurizio Pollini y Luigi Nono). De su pertenencia al Partido Comunista Italiano hicieron consigna y ejemplo en un desinteresado empeño sociocultural de acercar la música a las clases más perjudicadas y a los barrios obreros, ofreciendo conciertos en las fábricas.
En Madrid, su fragilidad exterior y su timidez contradecían ese potencial de expresión y fuerza beethovenianas. Su “Fidelio”, la “Heróica” y la Obertura “Leonora” mostraban a un ser que se superaba a sí mismo, compás a compás. La maestría de los jóvenes intérpretes de la Mahler Chamber Orchestra unida a la experiencia y sabiduría de Abbado, produjo un cóctel equilibrado perfectamente, rico en matices y acentos rítmicos y melódicos. España le apasiona, quizá por eso piense ampliar sus miras hacia nuestro país, atraído por sus antepasados y su mestizaje. Actualmente se centra en tres conjuntos: la Orquesta del Festival de Lucerna, la Orquesta de Cámara Mahler y la Orquesta Mozart (de instrumentación original y sita en Bolonia).
Conmemorando su 75 cumpleaños, el sello Archiv ha realizado interesantísimas grabaciones del maestro. Acompañando a Carmignola abordan Mozart y sus conciertos para violín, en un doble CD con la Orquesta Mozart. Le siguen las últimas obras sinfónicas del de Salzburgo, con la misma agrupación en otro registro de dos discos. Ya a precio medio, se presentarán un CD de marchas y danzas, una integral de las sinfonías de Beethoven con los filarmónicos de Berlín (grabadas en Roma en 2001) y los conciertos de piano (con su querido amigo Pollini y la Filarmónica de Berlín) y el Triple (con la Joven Orquesta Simón Bolívar de Venezuela).
Por si fuera poco, salen al mercado dos DVD's. Uno con piezas variadas de Mozart, Schubert, Brahms y Rossini. El otro, con Pollini y dos orquestas, la de la Scala y la Filarmónica de Viena.

Mahler inicia los conciertos de la ONE

Mahler da la bienvenida a la temporada de conciertos (2008-2009) de la Orquesta Nacional de España, en el madrileño Auditorio Nacional de Música. Josep Pons, más allá de reproducir el sonido mahleriano nos ofrecía una densidad sonora cercana a Bruckner. La "Tercera", cuyo primer movimiento resume el desarrollo total de la obra, es una de las más "imponentes" sinfonías de don Gustav, para un maestro como Solti. La magnitud instrumental recurre a un despliegue de medios, contando con un desenfrenado aparato orquestal. La cuerda queda engrosada, acompañada por un contingente de metales y percusiones. Los metales de la Nacional son un episodio aparte, principalmente las trompas. La cuerda, comedida ante la atenta batuta de Pons, quedaba relegada en un segundo plano. Magnífica madera la de la ONE, ensamblada, rítmica, llena de color. Los coros de niños y adultos llevaron la obra a buen puerto, ayudados por la voz de mezzosoprano de una conocedora, como es la norteamericana Michelle DeYoung. Lo humano se ensambla con la naturaleza. Las reminiscencias a la música de banda militar están siempre presentes en Mahler, a sus recuerdos en Jíhlava (Iglau, en alemán). Habla de la igualdad entre lo culto y lo popular y es, además, un cántico panteísta. Un Mahler correcto, aunque algo lineal.